El rock progresivo, heredero directo de la psicodelia de finales de los 60, profundizará en las bases musicales del rock más alternativo para buscar un engrandecimiento musical del género al que se acompaña con un intento de trascendencia presente en sus letras.
Grupos como Pink Floyd, Yes, Led Zeppelin, Génesis, Mike Olfield, Supertramp o la ELO llegarán a crear larguísimas composiciones llenas de experimentaciones sonoras y complejas estructuras (muchas de ellas emparentadas con las música y el jazz clásicos) que interpretan de forma virtuosa.
En ellas (a la manera de la música clásica) se huye de la típica organización pop/rock (introducción, letra, estribillo, puente, letra, estribillo) en favor de estructuras más complejas y ritmos irregulares.
En el campo sonoro a las guitarras y baterías se unen los sintetizadores y múltiples instrumentos tradicionales (cuerdas, piano, metales...)
Dentro del rock progresivo existe una fuerte tendencia más electrónica (acaso iniciada por el famoso Tubulars Bells) que se maridará con la experiencias de la música ambiental en muchas de las obras de Alan Parson Proyect , Jean Michel Jarre o Vangelis que se adaptaron perfectamente al mundo del cine más personal y serán una de las grandes influencias originales del género chill out.
El género se planteó como una música para adultos, claramente dividida del pop o la música disco, mucho más juvenil.
Frente a su hedonismo y corporalidad, el progresivo se nos muestra como un estilo profundamente intelectual y en muchos temas profundamente comprometido con la actualidad social o política
¡Borgia! Estafas, corrupción, ramería, magia negra, asesinato, homicidio, incesto: Borgia. Controversia y discordia, la infinita división de ciudades y principados, invasiones de extranjeros rapaces en el norte y en el sur, el odio, la avaricia, las derrotas, el hambre, la adversidad, el mazuco, la peste y la perdición venideros: ¡Borgia!
En este sentido son un claro exponente de la música negra, una de sus múltiples variantes.
Tanto sus voces como la insistencia en el ritmo o la utilización de los bajos continuos como forma de ritmo son soluciones tomadas desde soul y de sus formas primitivas, como el R&B.
A toda esta tradición se viene a sumar la modernidad de los sintetizadores que Giorgio Morandi comienza a utilizar con una maestría genial
A él le debemos uno de los primeros que más disco en dónde consigo unir sintetizadores cajas de ritmos y la voz gimiente de Donna Summer.
Además de lo musical, este tema inaugura el fuerte contenido hedonista y erótico (se ha hablado de un largo orgasmo de más de 6 minutos) que mantendrá esta música, en gran parte heredado del funky.
Y es que frente al masculino y duro rock, la música disco será fundamentalmente femenina, extrovertida y hedonista, pensaba esencialmente para el baile y la expresión corporal, para la relación y lo cenestésico. (Mucha de esta feminidad, ritmo y hedonismo será retomada por el futuro pop de los 80)
Su éxito inicial se circunscribe a ciertos club urbanos con una fuerte presencia del movimiento gay y la población negra que deja en segundo plano el mensaje de la letra para centrarse en el ritmo.
Técnicamente hemos de vincularla con la aparición de Maxisingle que permitía versiones mucho más extensas, perfectas para las mezclas de los DJ (pues serán ellos, frente a las tradicionales emisoras de radio, los que dirijan esta nueva música)
Es en el fondo una música escapista frente a un mundo cada vez más convulso y en plena recesión tras la crisis del 73 que pronto generará todo un imaginario de esferas de cristal y espejos pantalones de pata de elefante o grandes divas, muchas de ellas educadas en el sol como la propia de Dayana Ross, Gloria Glaynor o Donna Summer
En su plenitud esta música disco se suele vincular con la película Fiebre del sábado noche y la banda sonora de los Bee Gees, pero también artistas anteriores recoger a su testigo para evolucionar como el propio James Brown, Queen, Blondie, Kiss, Cher, Bryan Adams, convirtiéndose en una verdadera moda.
Habitualmente denostada, además del ritmo posee otras características notables desde el punto de vista musical cómo es el muro de sonido que envuelve a las voces en la percusión, heredero de las mezclas de Spector, que utiliza múltiples pistas para introducir en ellas metales, cuerdas, coros e incluso sonidos ajenos a la música
Aunque esta música se daría por muerta a finales de los 70, tuvo un fuerte revival en los ochenta (con ritmos cada vez más acelerados y artificiosos), siendo además el origen del house y el dance.
En Europa tendrá gran desarrollo el Eurodisco. Piénsese simplemente en el éxito arrasador de Abba.
El amplio fenómeno contracultural de los años 60 (hippies, drogas, movimientos revolucionarios a los dos lados del muro, pacifismo, feminismo, movimientos por los derechos civiles, movimiento gay...) tuvo una de sus facetas fundamentales en la música.
En los 60 este rasgo se intensifica y los grupos musicales se convierten en verdaderos promotores de la contracultura desde sus discos y conciertos
El famoso Sargent Peppers fue todo un reto en donde los Beatles coquetearon con las drogas o las filosofías orientales mientras su música se volvía mucho más densa y ensoñadora, el llamado rock psicodélico que seguirían otros grupos (Pink Floid, The Mamas & the Papa, Jimi Hendrix) que iniciarán el llamado rock progresivo.
En Estados Unidos Bob Dylan inventa la canción protesta y sus canciones se vuelven himnos pacifistas (algo que será continuado por John Lennon en su carrera en solitario hasta su asesinato)
Los grandes festivales (El Monterey Pop Festival, El Festival de Isle of Wight, Festival de Woodstock)se convirtieron en explosiones multitudinarias en donde se mezclaba el nudismo, las drogas (desde la Marihueana al LSD), la protesta contra la Guerra de Vietnam y la música,
Los Beach Boys se convertían en la punta de lanza del movimiento hippie en California.
Pocos estilos musicales tienen tanta mitología y estética y tan poca sustancia musical.
Pues en realidad, el punk es una ideología que, ocasionalmente, derivó en música.
Sus orígenes hay que situarlo a finales de los 60, explotando en el Reino Unido y extendiéndose por EEUU y el resto de Europa.
En el fondo deberíamos entenderlo como una versión (negativa y escasamente articulada) de los movimientos contestatarios de finales de los 60 que frente al "buenismo" hippie.
Una subcultura originada en barrios marginales que, sin saber muy bien por qué, contesta contra un mundo capitalista que origina toda una serie de servidumbres y controles (sociales, educativos, económicos, políticos, culturales).
En ese sentido se trata de una nueva versión del anarquismo, especialmente en su carácter destructor, de limpieza.
Precisamente por ello la estética es tan sumamente importante en el movimiento al romper con las convenciones establecidas (y todo lo que significaban). Desde las crestas de colores, los imperdibles, la estética de lo feo y antiestético son gritos contra una sociedad que no les gusta.
De la misma manera funcionan sus canciones que pasan de lo dadaísta a la pura agresividad (tan frecuente en sus conciertos, con sus famosos escupitajos).
Basta con leer la famosa letra de Dios Salve a la Reina para entenderlo todo
En el terreno musical se busca un sonido escasamente elaborado (tanto como respuesta ante el rock progresivo como por la escasa pericia musical de sus componentes), basado en las formas rock, con escasos arreglos, tempos rápidos, melodías simples y fuerte amplificación de guitarras y percusiones que dejan a un lado la melodía en favor de la explosión sonora, tronante y acelerada, que se convierte en una verdadera descarga de adrenalina
Sam Cooke, Ray Charles, Otis Redding y James Brown suelen considerarse los pioneros de este tipo de música que comienzan (a finales de los 50) a fundir el jazz con el góspel, el blues y el R&B para crear un música rítmica en donde se unen voces (a veces melódicas, a veces totalmente desgarradas) con un ritmo de tres por cuatro de intensa orquestación y ritmo marcado a base de baterías, palmas o juegos de pregunta respuesta entre el solista y los coros.
Esta música, esencialmente negra, pronto tomó un cariz político y se entremezcló con la lucha de los derechos civiles, dándole un carácter de conciencia social de la comunidad afroamericana (en las famosas marchas que protagonizara Martin Luther King las cabeceras solían llevar música de James Brown)
Era una música racial (como se etiquetaba entonces) que tienen en la raza y en la pobreza económica y su desgarro los puntos básicos de anclaje que sólo lentamente conseguirá introducirse en el público blanco.
En su desarrollo fueron fundamentales los nuevos sellos, Atlantic, Stax, Hi, King, Abc ola famosa Motow que creó todo un rico sonido lleno de sugerencias.
Desde esta música soul pronto se abrirá un nuevo sonido, el funky, con un ritmo mucho más rápido y potente pensado para el baile. El propio nombre (relacionado con el olor corporal producido por la práctica del sexo) tienenfuertes contenidos sexuales, abandonando sus conexiones políticas anteriores en favor de un mayor hedonismo y sensualidad que terminará desembocando en la Música Disco.
Será unos de los propios creadores del soul (James Brow) uno de sus iniciadores.
El soul conocerá un segundo renacimiento en los años ochenta, ya por medio de sus propios representantes como por la influencia en la música tecno-pop que triunfará en este momento.
En el siglo VI antes de Cristo y en relación con la crisis de Tartessos que hizo cambiar la centralidad hacia el norte, se encuentra este monumento extremeño que representa (por el momento) la arquitectura más antigua conservada en la península.
Sus orígenes pudieron ser anteriores (existen al menos 5 fases distintas en el yacimiento), pero el edificio actual, sobre un podio elevado, presenta una forma de U
Pocos sabemos de sus usos, aunque los especialistas se inclinan a una doble función,religiosa (templo en la terraza central, al aire libre y, posiblemente, con algún tipo de estatua o piedra sagrada) y política (palacio de aristocracia local que también funcionaría como almacén para excedentes de la zona para su posterior redistribución o comercialización con el exterior) que controla una rica zona agrícola (con abundantes acuíferos) y, lo que es más importante, el trayecto de conexión entre Gadir y la costa gallega y su estaño.
En la década de los 50 una nueva música vendría a revolucionar el mundo: el rock and roll.
Nace de la conjunción de múltiples ritmos, fundamentalmente negros, como el jazz, swing, el blues o el gospel.
En ella las tradicionales orquestas se van reduciendo al modelo actual (batería, bajo, guitarras solistas y cantante), a las que a veces se añadían pianos o saxofón.
La voz solista (tan fundamental en el gospel o el blues) pierde importancia bajo la pieza clave del nuevo estilo: el ritmo que se potencia al abandonar los contrabajos, pianos, palmas o los propios fraseos (como realizaba el blues) por una batería potente y realzada en las mezclas.
Este ritmo tomaba las formas más cercanas al jazz o el rhythm and blues que aceleraba las tradicionales composiciones del blues y acortaba las estrofas.
Es díficil encontrar una canción que podamos considerar la primera del nuevo estilo, pues se trata de una evolución realizada a saltos, con pequeños hallazgos sonoros y de composición en temas concretos que a menudo no tienen continuación, pero muchos consideran esta de Halley y los Planetas un producto ya totalmente acabado
En ella ya encontramos el ritmo, la instrumentación y la forma melódica que terminará por hacerse canónica.
Esta música nacía en un contexto muy determinado: Guerra Fría, primeros inicios de la sociedad de consumo e inicio de los movimientos emancipatorios de la población negra estadounidense.
En su génesis está un profundo cambio social (todavía vivimos en él) en donde el enfrentamiento intergeneracional será una constante, convirtiéndose en una música de jóvenes, tanto por sus ritmos bailables como por sus letras que hablaban del mundo desde otra perspectiva muy diferente a sus mayores.
Sus letras, su estética, sus fuertes connotaciones sexuales y hedonistas fueron entendidas como una transgresión frente a la cultura establecida, tanto en lo moral como lo racial (hasta la llegada de Elvis el fenómeno fue especialmente negro, tanto en cantantes como en espectadores, y serán las propias emisoras de radio en donde se produjo por primera vez el mestizaje entre ambas razas).
Era el principio de toda una nueva era, la de la cultura popular, que gracias a la radio, los discos y los conciertos se extendía con una rapidez nunca vista, llevando con ella el germen de la desobediencia hacia los valores tradicionales que explotará en los años 60.
Una música que era una estética que, en el fondo, era toda una nueva forma de entender la vida en donde lo emocional se imponía (a través del ritmo) a lo racional, hacía valorar mucho más el presente que el pasado o rompía los tabúes tradicionales sobre el sexo, las razas o las relaciones personales.
Algo que ya había comenzado a suceder en los años 20 con el charlestón, aunque ahora magnificado tanto en extensión como en capas sociales (frente al elitismo de aquella música), profundizando cada vez más la distancia entre padres e hijos que empezaban a invertir los términos (frente a la autoridad paterna la libertad del rock; frente al conformismo, la diversión; frente a la elevación estética, la pura corporeidad)
La primera generación del rock puede darse por acabada a finales de la década y se tendrá que esperar a la invasión británica (Los Beatles) en 1964 para resurja con fuerza
Se sabe de un viajante de comercio a quien le empezó a doler la muñeca izquierda, justamente debajo del reloj pulsera. Al arrancarse el reloj, saltó la sangre: la herida mostraba la huella de unos dientes muy finos.
