A finales del XVI apareció una tipología teatral que conocería un gran éxito: la comedia del arte.
En realidad se trataba de una curiosa fusión entre el teatro renacentista y la larga herencia de juglares, malabaristas o acróbatas y las tradiciones carnavalescas que aportaron las máscaras y las tipologías fundamentales.
Dos grandes características la definen:
El elemento de improvisación. El libreto sólo marcaba las líneas fundamentales de la trama, dejando un amplio hueco a los artistas que improvisaban, cantaban, bailaban, hacían acrobacias, según el público y el día.
Los personajes fijos, casi verdaderas tipologías (el hambriento, el pillo, el hombre conservador, los criados, la enamorada) que fueron añadiéndose desde distintos lugares de Italia. Arlequín y Brighella (Bérgamo); Pantalón (Venecia) el Doctor (Bolonia); Stenterello (Florencia); y Pulcinella, Coviello y El Capitán (Nápoles).
Estos personajes se agrupan en distintos grupos que terminan por representar (de forma satírica) a los distintos grupos sociales.
Máscara del Dottore, inspirada en los médicos medievales y su lucha contra la peste
Por un lado nos encontramos con los vecchi (amos) que representan a los poderosos, como Pantaleón o Pantalón (rico comerciante veneciano, con jubón, calzas encarnadas y capa negra), el Dottore (de origen boloñés representa a magistrados y médicos vestidos con toga, la intelectualidad), il Capitano (el militar de origen napolitano y lejanamente emparentado con los cantares de gesta, conociéndosele a veces como Fierabrás).
Pierrot. Watteau
Por debajo de ellos se encuentran los zanni (siervos o criados) que, igual que en el teatro del Siglo de Oro español, hacen papeles de graciosos o bufones. Los más característicos son Brighella (el pícaro listo), Arlequín (el tonto, acaso derivado de las fiestas medievales, al principio su vestido está hecho de harapos zurzidos que se terminarán convirtiéndose en rombos de colores, teniendo una difusión notable a lo largo de la historia, ya fuera de la Comedia), Pulcinella (del que ya hablamos aquí) , Colombina (amante de Arlequín y celestina) o Pierrot (músico y bailarín que de un papel secundario en sus orígenes irá tomando protagonismo en el XVII y el XVIII, especialmente en Francia, en donde pasó a ser el payaso triste, con gorguera y pálido, aquejado de amores nunca correspondidos)
Todos estos tipos tenían su propia indumentaria y máscara característica, normalmente hasta la nariz, lo que permitía a locución (muchos de sus modelos han quedado fijados en el carnaval veneciano), permitiendo así actuar a las mujeres
Las compañías, en principio locales, se fueron haciendo poco a poco itinerantes (especialmente tras el cierre de teatros decretado por el Concilio de Trento), facilitando así su difusión y mezcla de personajes.
Comedia italiana en los carnavales venecianos
Su iconografía, fijada a lo largo del XVII se mantiene y potencia en el siglo XVIII tanto en la literatura culta (Goldoni) como el arte (Watteau) que parten de lo popular para crear un costumbrismo crítico en el primero o una idealización de lo popular que se interpreta (como los cartones para tapices de Goya) en clave aristocrática.
