De origen del sur de Italia, y acaso castrato por un accidente con un caballo, este hijo de unos pequeños nobles italianos, se educó en Nápoles y Bolonia.
A partir de aquí conoció el éxito por media Europa, y pasó por Viena, Londres hasta recalar en la corte española en donde cantaba cada noche al Felipe V para alejar sus pesadillas.
A su muerte siguió siendo persona de amplia confianza de Bárbara de Braganza y Fernando VI, actuando en sus fiestas (como las famosas del río Tajo en Aranjuez).
Con la llegada de Carlos III se retiro a Bolonia con una gran fortuna, viviendo en ella hasta su muerte.
Los años 80 significaron el resurgimiento del pop; en realidad, su momento más notable a lo largo de la historia, imponiéndose al rock sinfónico, al punk, al glam o a la música disco.
Sin embargo este renacimiento que generó una de las décadas más esplendorosas a nivel musical fue un cóctel complejo y explosivo que bebió de todo la música anterior (pues no en vano nos encontrábamos en pleno desarrollo de la posmodernidad y su juego sin fin con múltiples referentes) A estas influencias dedicaremos este post que, como veréis tiene múltiples enlaces para ir desarrollando las distintas características.
De la música disco tomaron sus cajas de ritmos (poderosamente realzados en la producción Y DE LOS QUE YA HABLAMOS AQUÍ) y sintetizadores (cada vez más sofisticados QUE ANALIZAMOS AQUÍ) que permitían canciones que tanto se podían escuchar como bailar, sin decantarse por ninguna de las dos posibilidades.
Del soul también provino el gusto por las canciones autoconscientes que narraban sentimientos, el gusto por los coros de acompañamientos (en su típica estructura de pregunta y respuesta) así como ciertos fraseos que daban prioridad a la voz sobre los instrumentos (al contrario del rock sinfónico), volviendo al gusto por las grandes voces solistas que podrían recordar a Elvis (Spandau Ballet) o a Aretha (Eurycmis). Voces poderosas y llenas de matices como las que habitaron en el universo soul, con extraordinaria personalidad.
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También vinculado con el soul de la Motow o el producido por Phil Spector, la música de los ochenta tomó como suya la idea del muro de sonido, compuesto por múltiples pistas en donde se entremezclaban varias percusiones, metales, violines o sintetizadores que producían una enorme riqueza auditiva
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Tampoco fueron ajenos a ciertas influencias contries o del reague que tanto servían para contar arrasadores sentimientos (que combatían el puro hedonismo de la música disco) como para darle un toque fresco y divertido a una música (como el rock progresivo) excesivamente cerebral o (el caso del punk) agresiva y visceral
Y desarrollaron toda una estética heredada del glam, tanto en su vertiente más Bowie (como Culture Club) como elegante y sofisticada desde Roxy Music (Spandau Ballet)
Interesantísimo ensayo del siempre magnífico Alexandro Baricco.
Sus ideas sobre la música clásica son tan claras como (para algunos) heterodoxas, casi criminales para ese grupo elitista de profundísimas convicciones y verdades absolutas (creánme, los conozco muy bien, desde hace muchos años).
En primer lugar ¡se atreve! a colocar por encima de la partitura, la interpretación, comprendiéndola como la única forma de hacer vivir (una vez más) la música. En tal exposición nos hace partícipe de los peligros de las actitudes arqueológicas que son, simplemente, una pura falacia, e incluso advierte sobre el aspecto pseudomesiánico que inventaros los románticos para esta música, su capacidad casi moral de la que participaría el espectador, imbuido en altos sentimientos y emociones que otros (la pura plebe) nunca alcanzarán con su música ligera.
No contento con esto, ataca a la Nueva Música Clásica en la que desembocó la música culta a inicios del siglo XX. En este camino, perfectamente legitimado en su epistomología, se perdió cualquier conexión con el mundo y los espectadores, convirtiéndose en un recinto hermético en donde, tan sólo, se esperaba algún día empezar a comprender, pensando que había que reeducar el oído cuando el problema era el puro sentimiento (su falta de comparecencia).
Para terminar el derribo, Baricco analiza el caso de dos compositores (Puccini y Malher) como ejemplos de cómo la música culta consiguió introducirse en la modernidad, volviéndola (como tantas veces habla Lucas) en géneros impuros en donde la realidad entra a borbotones en la música y la contamina con recursos persuasivos de la baja cultura.
Tremendo este Baricco; nunca le rendirán pleitesía los círculos selectos musicales
Tras Palestrina, en plena Contrarreforma, un nuevo impulso musical se producirá en Roma a partir de los últimos años del XVII y primeros del XVIII.
Uno de sus grandes creadores (junto a Alexandro Scarlatti o Marcello) será Arcangelo Corelli que se inició en la música en torno a la escuela de San Petronio, Bolonia.
Muy pronto pasará a Roma y será mecenado por numerosos prelados (los cardenal Pamphili u Ottoboni) y realeza (Cristina de Suecia).
San Luis de los Franceses
Trabajará en los palacios e iglesias más importantes destacando especialmente San Luis de los Franceses (del que fue primer violín) el Palazzo della Cancillería (Pamphilli), San Carlo ai Catinari (sede de la famosa academia de Santa Cecilia) o los jardines Farnesio en el Palatino (la Academia de la Arcadia, una de las reuniones más prestigiosas de la ciudad en la que participaron músicos, literatos, papas, nobles ...).
Gran intérprete de violín, en su aspecto de compositor trabajó especialmente con música instrumental, avanzando la sonata hasta el límite que recogerá el clasicismo.
Arcangelo Corelli dirigiendo una serenata en Piazza di Spagna.
Quizás su aportación más conocida sean los 12 concerti grossi (tomando la base de las experimentaciones de Alessandro Stradella) que él mismo dirigió (contratando incluso a parte de la orquesta no estable) y más tarde imprimió.
Serán sus estructuras sumamente importantes para Haendel (al que conocería gracias al cardenal Pamphili) y Bach (los famosos conciertos de Brandeburgo son, en el fondo, concerti grossi).
31 de marzo de 1981 abrió (sobre una sala de fiesta anterior) la Sala Rock-Ola, junto a las Torres Blancas, en la calle Padre Xifré.
En muy poco tiempo se convirtió en uno de los grandes templos de la Movida .
Fue el lugar de cientos de conciertos en donde pasaron todos los grupos españoles y una apabullante lista de grupos extranjeros (desde Spandau Ballet a Depeche Mode); un lugar de cita diaria de músicos, productores, pintores, fotógrafos, directores de cine... ; un sitio heterogéneo e impuro en donde se juntaban mods, punk, nuevos románticos, hippies, modernos...
Foto actual del lugar. 2022
Evidentemente no fueron todo brillos, y hay toda una historia oscura de este local (en el fondo de toda la Movida) que habla de drogas, de falta absoluta de medidas de seguridad, de lluvia de escupitajos a los grupos que actuaban o de reyertas a sus puertas que terminaron con un asesinato.
Haydn fue el gran padre, el de la sinfonía (con más de un centenar), pero también del cuarteto de cuerda. Fue el gran padre (o hermano mayor) de Mozart, y el maestro de Beethoven.
Durante gran parte de su vida tuvo empleos seguros (algo no tan fácil de conseguir), primero con el conde Morcin y posteriormente con la familia Esterházy en sus dos palacios, el de Hungría y el vienés, pudiéndose desplazar incluso a Londres en dos ocasiones.
Su vida fue tranquila, tuvo grandes amigos (Mozart entre ellos), un gran sentido del humor y fue estimado por músicos pero también por los simples melómanos (como teatros enteros en Londres).
Nunca se oye de él nada negativo y hasta su particular matrimonio (que fue un simple formalismo, teniendo ambos cónyuges sus amantes casi oficiales) siempre se perdona hasta en las más rígidas mentalidades.
En realidad, Haydn vivió como compuso, de forma equilibrada, rica pero sin excesos, de forma exquisita (pero no distante ni pedante), sin rigideces, entre la tradición y la invención.
Su obra es probablemente la más representativa del periodo clasicista, aunque en ella hay muchas sugerencias que aprovecharán, entre otros, Mozart o Beethoven.
Su muerte se producirá en plena invasión napoleónica, como si con ellas se cerrará un mundo (el del Antiguo Régimen) y comenzará a surgir la modernidad.
Stephon Alexander es profesor de física, astrónomo y saxofonista y ha querido unir en este libro sus pasiones para crear una historia fascinante del universo y la improvisación en el jazz.
La obra puede parecer algo compleja, pero resulta verdaderamente apasionantes (y lo dice una persona de letras puras)
Es asombroso qué capacidad tiene para irnos explicando conceptos de astronomía (primero la más clásica, luego la cuántica) con una claridad meridiana, relacionándolos una y otra vez con la música de jazz que le ha servido para crearse nuevos marcos mentales para seguir avanzando en sus investigaciones. (Se aprende mucho sobre ella leyendo el libro)
El final de todo el relato es la fusión entre jazz y la música del universo. Una aventurada hipótesis de un Big bang mil veces repetidos que crea una música diferente cada vez que es (realmente sus ondas) la que generará un nuevo universo.
Contémosles a los niños que las primeras estrellas y galaxias del universo fueron creadas por el sonido del plasma primordial, justo después del nacimiento del universo, y que esas ondas crearon galaxias con estructuras complejas y estrellas que cantas con frecuencias resonantes propias
En el siglo XX la música evolucionará muy rápidamente, especialmente tras la II Guerra Mundial (aquí lo estamos estudiando).
Esta evolución está íntimamente unida a la revolución tecnológica (segunda, tercera y cuarta revolución industrial) que permitió nuevas formas de conservación y reproducción de la música que permitió que esta se convirtiera en un fenómeno de masas frente a la experiencia individual anterior (el concierto, el servicio religioso, la fiesta).
Económicamente significó el verdadero inicio de una industria musical basada en la venta de reproducciones (y más tarde de material relacionado y de giras y conciertos en vivo), aunque siempre amenazado por la piratería que conseguía un doble efecto contrario: la posibilidad de la copia del formato por medios personales generaba pérdidas al bajar las ventas de originales a la vez servía para extender los productos a capas cada vez más bajas, siendo en sí mismo una forma lateral de publicidad de un grupo o una tendencia.
En 1877 Tomas Edison inventa el fonógrafo que registra el sonido en un cilindro y lo reproduce ampliando sus vibraciones. Diez años después aparecerá el disco plano con surcos, (el gramófono), el abuelo de tocadiscos.
En 1963 Phillips desarrolla el cassette que registra el sonido en una banda magnética. El formato abarata enormemente los costes y permite la grabación casera (cintas vírgenes) y pese a la inestablidad del formato (perdía calidad con su reproducción) significó una verdadera revolucuión en el consumo y grabación particular de la música, especialmente cuando en los equipos de sonido se intregaron doble pletinas y tocadiscos de grabación interna que permitían la grabación sin sonidos exteriores.
El proceso se culminaba con la aparición del Walman(lanzado en 1979) que sacaba la música de la habitación o el local y permitía una mayor libertad de uso.
A partir de 1990 cambia radicalmente la tecnología con la aparición del reproductor laser (CD) que permitían una reproducción mucho más nítida con con mayor amplitud de registros y una mejor conservación del formato que casi eliminó el tradicional vinilo.
El último paso se relaciona íntimamente con la informática con la aparición de un nuevo formato (mp3, 1995) que comprimía en un archivo de escaso peso y fácil copia en un ordenador personal (junto a él aparecen nuevas baterías que desplazan a las pilas en los dispositivos móviles).
Sobre este formato, la aparición de internet permite compartir los archivos por medio de páginas P2P (Emule y similares) lo que hace aumentar exponencialmente la piratería a la vez que amplia de una forma increíble el mercado potencial pero también las formas de distribución (será el principio del fin de las tiendas de música, cada vez más inútiles, pues tanto la venta legal como la piratería se realiza por medio de la red)
En el mismo sentido, la aparición de youtube (2005) y otras plataformas on line (Spotify, 2006; itunes) crean una nueva manera de adquirir, compartir y escuchar música, el streming que se fue desarrollando según fue ampliando la banda (2, 3, 4 o, actualmente, 5G)
Pocas obras me emocionan más que este Ave Maria montado sobre el intermedio de Cavalleria Rusticana de Mascagni. Apenas un ensayo en la escala de Milán.
Lo es por la propia música (que utilizara ya Coppala para su tercer padrino en el momento final de las famosas escaleras de la Ópera de Palermo).
Lo es por la voz imprescindible de Plácido Domingo que llena todo ello.
Por la dulzura de Sissel (y sus exquisitos registros).
Pero también todo ello hay una admiración de ella por el gran maestro (sus miradas lo dicen todo), la falta de divo de Plácido, que es capaz (como todo un señor) de acoplarse a todo.
Verdaderamente la obra comienza en el minuto 2 pero merece la pena ver el vídeo completo
A principios del siglo XX se comienza a desarrollar en la zona sur de EEUU el blues.
Su origen hay que buscarlo en las estructuras de los espirituales negros (especialmente aquellos menos rítmicos y melancólicos, con su tradicional estructura de llamada-respuesta) a los que se unen guitarrras (en principio banjos, permitidos a las poblaciones negras) y armónicas (buscando en ellas todo tipo de posibilidades expresivas) y se elimina el coro por la voz individual (a las que posteriormente se unirán los metales)
Sus letras, profundamente melancólicas, arrancan de las quejas de los propios esclavos en las plantaciones, aunque la individualización de esta música permitirá que la subjetividad abra nuevos temas (siempre en clave triste)
El nacimiento coetáneo del jazz hará que los dos géneros se influyan mutuamente y con la migración de esta población negra hacia el norte industrial, el blues abandonó sus raíces rurales para adoptar ritmos más rápidos y complejos que darán el pie tanto al rock (a través de Eric Clancton, Elvis o los Rolling) como al rhythm and blues o el soul
Si habéis dado al play estaréis escuchando algo semejante a lo que debió componer Bach para , el príncipe Leopoldo de Anhalt-Cöthen en algún momento entre 1717 y 1723.
Un juego entre las cuerdas (de sol, añadió el maestro) lento y cadencioso que es una de las melodías más bellas y extraordinarias de toda la historia de la música. Una pieza perfecta desde el principio al final con sus diferentes voces que se entruzan y mientras unas llevan la voz cantante, el resto crea un contrapunto exquisito y delicado.
Sin embargo, es muy probable que la versión que hayáis escuchado sea esta
Una versión más moderna que dio más protagonismo a los violines solistas y perdió un tanto el equilibrio con los que le hacían de base.
La realizó el violinista August Wilhelmj a principios de siglo XX, siendo ¡una de las primeras grabaciones del maestro! que durante siglos estuvo olvidado y con obras como esta se convirtió (perdón a Mozart y Beethoven) en el gran grande de la música
A finales del siglo XVIII y principios del XIX comienzan a aparecer los espirituales negros, que en el fondo no eran más que adaptaciones de himnos religiosos protestantes (religión mayoritaria de los emigrantes del norte de Europa, tomados del compositor inglés del XVIII compositor inglés Isaac Watts)con los cantos de los afroamericanos, aún esclavos y muy numerosos en el sur del futuro EE UU (plantaciones).
Su estructura es un sincretismo, especialmente en su forma de call and response en donde el predicador cantaba una salmodia que contestaba a coro la congregación (algo que era habitual en algunos cantos negros), lo cual se acompañaba con percusión de palmas y movimientos, utilizando ritmos sincopados.
De esta manera se intentaba evangelizar (por medio del ritmo) a estas poblaciones negras que convertían la misa en una experiencia sensorial.
Parte de su rítmica y sentimientos serán el origen tanto del jazz como del blues y posteriormente el soul o el gospel.
¿Quién no recuerda esta maravillosa música del Golpe?
Es el más famoso de los ragtime, la musica rota, uno de los padres del jazz.
Desde el sincretismo de Nueva Orleans, un compositor (John Philip Sousa) unió en un piano las marchas blancas tocadas por las bandas (mano izquierda) con los ritmos sincopados del banjo africano (mano derecha) .
Nacía así una música elegante pero alegre que daba ganas de bailar y vivir que empezó a extenderse gracias a la proliferación de pianos y de pianolas.
Lo hizo por locales de mala fama lo que terminó generando mala fama a esta música que, años después, volvería a Nueva Orleans, siendo uno de los múltiples padres del jazz (influyó en la música europea: Ravel, Debussy, Satie)
Perteneciente a Tocata, adagio y fuga en do mayor, BWV 564, es una obra de su época de Weimar .
Aunque a menudo se ha orquetado, yo prefieron la versión (que en el fondo era la original) a órgano en donde la melodía se continúa en varios planos sin necesidad de más instrumentos y lleva al oyente a una sensación de paz teñida de una leve melancolía.
Quizás sea la canción (1983) más conocida (aunque posiblemente más representativa) de The Police
Su poder reside en uno de los bajos más espectaculares de la historia del pop, a lo que se fueron añadiendo las baterías, guitarras y cuerdas.
Se crea así un obstinato casi hipnótico que corresponde perfectamente a la letra de la canción: toda una historia de acoso que rompe el romanticismo que siempre le suponemos.
Con sólo fijarse en ella, no crea que haga falta ningún comentario más.
En el instituto hemos realizado una interminable lista de canciones sobre, para y por la mujer.
En ella han colaborado alumnos, profesores y personal administrativo con sus sugerencias, creando una lista de reproducciones en donde cabe desde el jazz al regetón, pasando por el heavy, el tecno, la balada...
En la medida de lo posible se han buscado vídeos en donde apareciera también la letra (traducida cuando no era en castellano) para poder escuchar pero también leer.
La actividad se realizó en torno al día de la Mujer, pero pretendemos continuar con ellas en cursos sucesivos con nuevas canciones y actividades didácticas en torno a las canciones que nos sirvan a todos para profundizar en miles de temas (la violencia de género, la concepción del amor romántico, sus límites y sus excesos; el emponderamiento de la mujer, la lucha por la igualdad)
Perfectamente trajeado, con su flechillo al viento y su voz melosa, Brian Ferry creó toda una poderosa estela en donde bebió una parte del tecno-pop de los 80. El propio grupo evolucionó en esa década de los 80 desde el Glam a un sonido perfecto, elegante y rítimico, siendo acaso el album Avalon el producto más refinado que produciría
Suyos son los coros que daban una segunda voz al solista y creaban efectos de reverberación a los que se unía unos bajos verdaderamente excepcionales que, junto a la frecuente aparición de los sintetizadores y el saxo, daban una apariencia carnosa a sus temas (un soul sumamente peculiar, rítmico que, sin perder romanticismo, se llenaba de calor y sensualidad)
Se creaba así una música atmosférica que llenó de sueños húmedos los oídos de sus seguidores, que se fascinaban por su riqueza sonora a la que le acompañaba una exquisita puesta en escena y un elaborado estilismo de sus portadas. Ya en solitario, el propio Bryan Ferry compuso una canción para la mítica Nueve Semanas y Media, una balada romántica llena de calor y ritmos enervantemente lentos y poderosos que tan bien reflejaban el ambiente sexual y denso de la película en donde el mundo se iba cerrando implacablemente sobre los protagonistas
La Cartuja de Valdemossa ha sido el escenario de grandes artistas, acaso lo más conocidos fueron Chopin y su amante, la escritora George Sand, que pasaron un invierno en ella (1838), intentando paliar la enfermedad mental del músico.
Vivir en una cartuja semiabandonada (con la desamortización de Mendizábal pasó a manos privadas) excitaba su imaginación romántica, igual que el paisaje, enclavado en plena Sierra de Tramuntana.
Sin embargo todo no fue tan idílico, pues el carácter cerrado de la población (tradicionalmente aislada) no veía con buenos ojos que la pareja no fuera a la iglesia o no estuviera casada, ni que ella fumara o tuviera sus propias opiniones (en realidad, nos encontramos con una verdadera feminista, además de gran escritora que plasmó sus vivencias en un libro: Un Invierno en Mallorca.
Pero la Cartuja también acogió a otras personalidades, como Jovellanos (exiliado), Rubén Darío, Azorín, Rusiñol o Unamuno.
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